Japan in römischen Palästen zwischen Kritzeln und Sammeln.
Japanische Kunst in einem römischen Palazzo, wo man riesige, muskelbepackte Heldenfiguren erwartet, die von den Deckenfresken herabhängen, erinnert ein wenig an eine Zen-Meditation inmitten des Feuerwerks einer Silvesterparty. Fast ein Zenonisches Paradoxon, das sich dieses Jahr in Rom gleich zweimal wiederholt: im Palazzo Braschi mit der Ausstellung UKIYOE. Die schwebende Welt. Visionen aus Japan, die im Juni zu Ende ging, und im Museo Napoleonico mit Giuseppe Primoli und die Faszination des Orients, die bis Anfang September zu sehen war. Beide Ausstellungen stellen einen gelungenen Versuch dar, einen wenig bekannten, aber äußerst faszinierenden Aspekt des italienischen Sammelns zu erzählen. Japan bzw. die Idee von Japan in einer mediterranen Sprache zu erzählen, war eine sehr kreative Entscheidung.
Die beiden Ausstellungen sind Teil einer Reihe von kulturellen Veranstaltungen, die in verschiedenen Städten (Turin, Florenz, Mailand usw.) stattfinden und sich mit dem Sammeln japanischer Kunst in Italien zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert befassen, im Rahmen der „unterschiedlichen Haltungen der europäischen Gesellschaft gegenüber allem, was aus der Ferne kam“, wie Enrico Colle, Direktor des Museo Stibbert in Florenz und Organisator einer der zahlreichen Veranstaltungen, erklärt. Er fügt hinzu, dass „außereuropäische Artefakte in den Interieurs der europäischen Eliten nicht nur Zeichen von Kosmopolitismus und Universalismus sind, sondern auch Etappen unserer kulturellen Dezentralisierung“.
Das schon immer grosse Interesse Italiens an der japanischen Kultur wurde 2016 anlässlich des 150-jährigen Jubiläums der diplomatischen Beziehungen zwischen Japan und Italien wiederbelebt. Die Beziehungen zwischen Japan und Italien begannen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, wie immer aus kommerziellen Gründen, als die lombardische Seidenindustrie auf der Suche nach billigen Seidenraupen war, die nicht von der Pebrina-Krankheit befallen waren. Jahrhunderts, die Achse Rom-Berlin-Tokio, die technologische Innovation und die Karikaturen der 70er und 80er Jahre, Kenzo Tange und Patty Pravo als Geisha beim Sanremo-Festival 1984.
Es muss auch gesagt werden, dass Italien und Japan seit dem Zweiten Weltkrieg eine ähnliche Geschichte haben: die ländliche Vergangenheit, die Erdbeben, der wirtschaftliche Aufschwung, der weitgehend durch die amerikanische Unterstützung ausgelöst wurde, die Behauptung im Automobilsektor, die lange wirtschaftliche Rezession, die in den 1990er Jahren begann, die Staatsverschuldung. Heute sind die italienisch-japanischen Beziehungen vor allem im Kontext der G7/G20 und der zunehmenden Hinwendung der Europäischen Union zum indo-pazifischen Raum zu sehen.
Doch zurück zu uns. Die Kuratorinnen der oben genannten Veranstaltungen in Rom - Rossella Menegazzo (Palazzo Braschi), Barbara Drudi und Valeria Petitto (Museo Napoleonico) - scheinen der Anziehungskraft barocker Pracht nicht widerstehen zu können, obwohl sie aus ganz unterschiedlichen akademischen Kreisen stammen. Das Ergebnis ist eine ungewöhnliche und daher interessante Auseinandersetzung zweier gegensätzlicher, oxymoronischer Kunsttraditionen.
Lassen Sie mich das erklären. Der Besuch eines Kunstmuseums in Tokio oder Kyoto hat etwas Dystopisches. Man fängt immer im obersten Stockwerk an und landet im ersten, natürlich auf dem Weg zum Ausgang. Außerdem gibt es so gut wie keine ständigen Sammlungen, ebenso wenig wie es in dieser Tradition Bildträger gibt, die etwas mit der Struktur des Gebäudes oder seiner Festigkeit zu tun haben; kein Gips für die Fresken, keine Zypressen- oder Kirschholzplatten. Vielmehr wurden im Laufe der Jahrhunderte Materialien wie Reispapier oder Seide bevorzugt. Von Zeit zu Zeit wurden Wandschirme, Kakemono-Bilder, Schriftrollen mit Geschichten von Wandermönchen, Kimonos, Schwerter und Samurai-Rüstungen durch ähnliche Objekte mit anderen dekorativen Themen ersetzt. Die Motive haben im Allgemeinen mit der Schönheit der Natur zu tun: die gewundenen Stängel und Blätter der Pflanzen eines Teiches, die anmutige Linie des Halses und des Gefieders bestimmter Vögel, die Eleganz der weidenden Hirsche von Nara, die Baumstämme eines Waldes, die durch die Schwärze der Tinte an alte chinesische Ideogramme erinnern. An den Wänden und in den Vitrinen der Museen wird ein minimaler Ansatz verfolgt: Man sieht nur wenige Dinge, die in einem gewissen Abstand zueinander ausgestellt sind, um sie in ihrer Wesentlichkeit hervorzuheben. Es gibt kein Durcheinander, keine Überschneidungen. Kein dekoratives Übermaß. Was in der japanischen Ästhetik zählt, ist eben die Idee der Leere, die „füllt“, sowie Begriffe wie Zeit, Metapher und versteckte symbolische Bedeutung, wie Gabriele Suma in seinem Blog Storia in poltrona erklärt:
„Die Leere wird zum Gewebe, das die Bedeutungen hält, wie ein unsichtbares Spinnennetz, das die gefangenen Teilchen der Materie trägt. [...] So ist Schönheit, verstanden als absolute Vollkommenheit, das, was uns umgibt, und nicht der Gegenstand selbst, den wir vor Augen haben. In den japanischen Kunstwerken der ältesten Tradition sind die Subjekte von vielfarbigen oder abstrakten Hintergründen umgeben, sie sind in das Universum eingetaucht, als wären sie sich bewusst, dass sie von dem sich abzeichnenden Hintergrund eingeschlossen sind. Der Hintergrund ist eine Ecke der Unendlichkeit, er stellt das Universum dar und ist voller Leben. Die Schönheit wird mit Nüchternheit ausgedrückt, indem man sich auf das Detail konzentriert, auf die Zerbrechlichkeit des gewählten Mediums oder auf die Zelebrierung einfacher Momente des täglichen Lebens, extrapoliert aus dem Vergehen der Zeit. Rossella Menegazzo, Expertin für japanische Kunstgeschichte und Kultur an der Universität Mailand, erklärt: „Eines der Merkmale, die die japanische Kunst, das japanische Kunsthandwerk und das japanische Design definieren und sofort erkennbar machen, ist die Einfachheit. Eine Einfachheit, die sich in der Wesentlichkeit der Form, in der Sparsamkeit der Materialien, im Respekt vor den Unvollkommenheiten der Natur und in der Aufmerksamkeit für die kleinsten Details ausdrückt. Es ist ein Konzept der Einfachheit, das weit entfernt ist von der Rationalität, die die westliche Moderne geprägt hat, denn es hat seinen Ursprung vor allem im animistischen und shintoistischen Denken, das der gesamten japanischen Kultur zugrunde liegt, ein Konzept, in dem die räumliche Leere („ma“) die potentielle Präsenz des Göttlichen impliziert. Dieser ursprüngliche Gedanke, der eng mit der Kraft der Naturereignisse verbunden ist, die das Leben des Archipels und seiner Bewohner fortwährend prägen, wurde ab dem 13. Jahrhundert durch das aus China stammende buddhistische Denken, insbesondere durch das Zen, ergänzt, das ein weiteres, mit der Leere ('ku') verbundenes Konzept einführte, für das die Entleerung ebenso wichtig wird wie die Füllung“.
Katsushika Hokusai, Die Grosse Welle von Kanagava, 1830-31.
Nichts ist ewig und unveränderlich, denn die Welt, in der wir leben, ist eine Welt des Wandels, eine flüchtige Realität, die aus Vergnügen und Moden besteht und in der sich alles ständig verändert. Die Vorstellung von Schönheit, die nicht von Dauer ist, wird uns auch durch die berühmte Sakura-Blume vermittelt, die für uns in der westlichen Welt so ziemlich das Einzige ist, was uns einfällt, wenn wir an Japan denken. Toyomune Minamoto, Professor an der Universität Kyoto, sagte 1968 auf einer Konferenz in Tokio: „Wenn wir die Dinge betrachten, nehmen wir sie nicht als Substanz wahr, sondern als Bilder, die frei von jeglichem Raumgefühl sind. Mit anderen Worten, wir behandeln die Dinge als idealisierte abstrakte Formen ohne Raumgefühl.
In Rom begannen die Beziehungen zu Japan mit dem Jesuitenpater Franz Xaver, der 1548 einen Brief „an seine in Rom lebenden Gefährten“ schrieb, in dem er auf der Grundlage des Berichts des portugiesischen Entdeckers Jorge Àlvarez Informationen über Japan und seine Sitten lieferte. Es war übrigens der Jesuit selbst, der als erster das Land der aufgehenden Sonne missionierte. Von einer gegenseitigen ästhetischen Beeinflussung war man damals allerdings noch weit entfernt. In Rom lebten die Kaiser, das hat niemand vergessen, auch die Päpste nicht. Seitdem fällt die Idee der Schönheit mit der Idee der Ewigkeit zusammen; in dieser Stadt entstand die Kunst an Orten der Repräsentation und war stets Ausdruck der Macht. Jeder Herr und Meister, der im Laufe der Jahrhunderte über die Urbe herrschte, wünschte sich, dass diese Macht niemals enden möge. Um diesem Wunsch Ausdruck zu verleihen, wurden im Laufe der Jahrhunderte malerische Techniken wie die Freskomalerei und ganz allgemein Materialien gewählt, die für die Ewigkeit bestimmt waren. Es war Octavian Augustus, der uns lehrte, dass es nichts Ewigeres als Kalkstein gibt. Ipse dixit: „Ich habe eine Stadt aus Ziegeln gefunden, ich gebe sie euch aus Marmor zurück“.
Die Päpste des Mittelalters behielten diese Sichtweise bei. Sie verkleideten ihre Kirchen mit genau den Steinen, die den Ruhm der Cäsaren unsterblich gemacht hatten. Im Laufe der Zeit hat sich die Ewigkeit, die man in Rom atmet, in etwas Komplexeres verwandelt, das mit dem Vergehen der Zeit und der Natur des Menschen selbst zu tun hat. Die Einblicke erzählen uns von fernen Epochen, vielen und unterschiedlichen. Auf so vielen Jahrhunderten und so wenigen Quadratmetern überlagern sich Erinnerungen an große Geschichten, volkstümliche Anekdoten, Lieder und Naturkatastrophen. Das Erstaunliche daran ist, dass sich all dies in einem Blick, in einem Augenblick - präzise in Marmor gemeißelt - zusammenfassen lässt. Ein Eindruck, den man oft in den Tagebüchern von Reisenden des 18. und 19. Jahrhunderts findet. Ich möchte die Worte von Edmond und Jules de Goncourt zitieren: „Rom, ein Chaos und ein Universum aus Stein, eine Überfüllung, eine Vermischung, eine Verwirrung, eine Überlagerung von Häusern, Palästen, Kirchen, ein Wald von Architekturen, wo die Spitzen der Glockentürme, der Kuppeln, der Säulen, der Statuen, der Wappen der Ruinen verzweifelt in die Luft ragen, von den Spitzen der Obelisken, der bronzenen Cäsaren, der Schwerter der schwarzen Engel gegen den Himmel. “
In diesem Zusammenhang sind die einzigen Spuren, die aus der Ferne an die Idee einer schwebenden Welt erinnern könnten, die verschiedenen Memento mori, die in den Kirchen verstreut sind. Sie erinnern uns daran, dass das Leben früher oder später zu Ende geht. Eines davon ist das Grabdenkmal für Papst Alexander VII. Chigi von Gian Lorenzo Bernini im Petersdom. Ein Feuerwerk aus grünem und rosa sizilianischem Jaspis, verziert mit einem riesigen Bronzeskelett, das eine Sanduhr schwingt. Das Grabmal drückt die Vergänglichkeit - zur Abwechslung - in der unsterblichen Sprache des Marmors aus. Mit der Blüte der Kirschbäume hat es nichts zu tun.
Um auf die Ukiyoe zurückzukommen: 150 Werke von 30 verschiedenen Künstlern waren in den wenigen Räumen der Ausstellung im Palazzo Braschi konzentriert, fast mehr als ich je in japanischen Museen gesehen habe. Die Ausstellung bestand aus wunderschönen Farbholzschnitten, die Gruppen von Geishas zeigten, die sich in Höfen unterhielten, während sie ihr Haar zu kunstvollen Frisuren frisierten; Kurtisanen, die auf roten Säulen in bunten Kimonos flanierten; Vasallen, die Go spielten - ein altes chinesisches Spiel, das dem Schach ähnelt, seltsame Figuren des Kabuki-Theaters, die an Cartoons aus den 1970er Jahren erinnern, Sumo-Ringer, Männer und Frauen, die sich in öffentlichen Bädern waschen, junge Mädchen, die Kakis pflücken, mit Hunden und Katzen spielen oder mit Sonnenschirmen im Schnee stehen, und natürlich der Berg Fuji bei Sonnenuntergang. Im Westen ist das berühmteste Werk sicherlich Die große Welle von Kanagawa von Meister Hokusai. Diese Illustrationen, die vor allem in der Edo-Zeit (1603-1868) beliebt waren, vermitteln uns den Charme der sich wandelnden oder vielmehr wachsenden städtischen Gesellschaften in den noch heute großen japanischen Städten Edo (heute Tokio), Osaka und Kyoto. Die anmutigen, oft figurenreichen Alltagsszenen entstanden als Reliefs auf Holzschnitten. In der Ausstellung unternahm man Abschnitt für Abschnitt eine Reise durch die japanischen Künste: Malerei, Kalligraphie, Musik, Tanz, Kabuki-Theater (das ein wenig an die Commedia dell'Arte erinnerte). Es folgt eine Beschreibung der Vergnügungsviertel, des Luxus, der Spiele und der Unterhaltung, die mit dem alten Edo und den repräsentativsten Orten Japans endet.
Utagawa Kunisada, Die Stunde des Schafes, die Achte Stunde, 19. Jahrh.
Die Protagonisten dieser Bilder sind oft Frauen, die durch ihre Weiblichkeit, aber auch durch ihre Talente wie Musik, Kalligraphie, Malerei, Strategie oder Brettspiele dargestellt werden. Alles Künste, die in der chinesischen Kultur - die zusammen mit dem Buddhismus nach Japan eingewandert war - eine kultivierte Person definierten. Die Verbreitung dieses Wissens unter den Frauen zeugt von ihrem Zugang zu Wissen.
Die Werke stammen aus zwei bedeutenden italienischen Sammlungen, die in der Zeit des Japonismus - der Begeisterung für alles Japanische und Orientalische - entstanden, die in Europa nach der Pariser Weltausstellung von 1878 einen regelrechten Boom erlebte: die Sammlung des Kupferstechers Edoardo Chiossone in Genua und die Sammlung des Bildhauers Vincenzo Ragusa, die sich heute im Besitz des Museo della Civiltà in Rom befindet. Diese beiden italienischen Künstler machten Ende des 19. Jahrhunderts eine für die damalige Zeit völlig ungewöhnliche Erfahrung: Sie wurden von der Regierung als ausländische Berater nach Japan eingeladen, um junge Talente in den neuen Grafik- und Kunstschulen auszubilden. Während ihrer Jahre als Gäste im Land der aufgehenden Sonne wurden sie zu Sammlern und trugen dazu bei, zwei der bedeutendsten Sammlungen orientalischer Kunst in Italien aufzubauen.
An den Wänden des Palazzo Braschi hingen gefühlt weit über 150 Bilder, konzentriert in den wenigen für die Ausstellung vorgesehenen Räumen und scheinbar nur durch die jeweiligen Rahmen voneinander getrennt. Jeder Zentimeter des zur Verfügung stehenden Raumes wurde genutzt, zumindest hatte man diesen Eindruck. Damit nicht genug, wurden einige der berühmtesten Ukyioe großformatig auf Stoff reproduziert und schmückten den oberen Teil der Wände oder die Durchgänge zwischen den Räumen. Die Idee dahinter war, an die traditionellen Noren-Vorhänge zu erinnern, d. h. an die Stofftrennwände, die vor allem in Geschäften und Restaurants verwendet werden und auf denen der Name des Unternehmens steht. Das Ergebnis ist ein Triumph des Überflusses, ganz römisch, der sich überlagernden Bilder - wenn nicht in der Realität, so doch in den Eindrücken, die sie hervorrufen -, der Farben, der geschwungenen und eleganten Linien. Kimonos, Spiegel, Fächer und andere für die Zeit typische Kleinigkeiten bereicherten die Ausstellung. Die Gestaltung der Ausstellung hatte nichts Prägnantes oder Minimalistisches. Vielmehr herrschte ein scheinbar buntes und wunderbares Durcheinander, das an das fröhliche Treiben auf einem orientalischen Markt, aber auch an die römische Opulenz eines Freskos von Pietro da Cortona aus dem 17. Jahrhundert erinnerte. Unglaublich, ich fühlte mich an J.W. Goethes Beschreibung Roms in seiner "Beschreibung Roms" erinnert. Goethes Beschreibung Roms in seiner Italienischen Reise: „Man geht oder steht, und es erscheinen Panoramen jeder Art und Sorte, Paläste und Ruinen, Gärten und Wüsten, weite Horizonte und enge Gassen, Hütten, Ställe, Triumphbögen und Säulen, oft so dicht gedrängt, dass man sie auf ein einziges Blatt zeichnen könnte. Tausend Meißel wären nötig, um sie zu beschreiben, wozu ein einziger Bleistift? Und am Abend ist man müde und erschöpft von so viel Sehen und Staun.”
Kakemono mit Blütenzweigen, Museo Napoleonico, Rom.
Noch römischer ist die Atmosphäre im Museo Napoleonico, dem Palazzo des Grafen Giuseppe Napoleone Primoli, von seinen Freunden Gégé genannt, einem Aristokraten des 19. Jahrhunderts, der mütterlicherseits von der Familie Bonaparte abstammte, daher der hochtrabende Name seines Museums. Graf Primoli war eine Persönlichkeit des Fin de Siècle: altmodisch, mit römischem Witz und französischem Geschmack, ein kultivierter Reisender, der gerne mit Künstlern, Dichtern und Intellektuellen verkehrte, elegant und wunderbar dekadent. Er liebte es, sich bei Festen als indischer Prinz zu verkleiden, und verewigte sich und seine schicken Freunde - ebenfalls als unwahrscheinliche Orientalen verkleidet - bei Gesellschaftsbällen, im Karneval oder bei den Tableaux vivants, die sie alle gerne nach der Mode der Zeit erfanden. Seine Fotografien und die seines Bruders Luigi haben uns einzigartige Bilder hinterlassen, wie die Geschäfte der Händler in den Nischen des Teatro Marcello, den Kampf zwischen Buffalo Bill und den Cowboys der Maremma in den Prati di Castello, die überschwemmte Via Ostiense oder den Tempel des siegreichen Herkules und viele andere, die zum Kontext des verschwundenen Roms gehören, d.h. von Vierteln und Winkeln der Ewigen Stadt, die es nicht mehr gibt.”
Im Mittelpunkt der Ausstellung im Museo Napoleonico stehen die Beziehungen der Familie Primoli zum Orient, insbesondere die von Giuseppe und Luigi, sowie die verschiedenen Souvenirs, die sie von ihren exotischen Reisen mitbrachten oder bei bedeutenden Sammlern oder auf einfachen Pariser Märkten erwarben. Ein wichtiges Ausstellungsstück ist der wunderschöne Seidenfächer, den der Impressionist Giuseppe De Nittis um 1880 für Matilde Bonaparte aquarellierte und auf dem ein klassisches Motiv der japanischen Kunst dargestellt ist: der Abstieg der Wildgänse nach Katata. Ein absolutes Symbol des Japonismus, d.h. ein Werk, das nicht originell ist, sondern den japanischen Geschmack nachahmt und gleichzeitig dem Diktat der europäischen Ästhetik gehorcht.
Das Haus selbst, d.h. die Räume, die heute das Museum beherbergen, sind - abgesehen von den Büsten der verschiedenen Napoleoniden - mit kostbaren Artefakten gefüllt, darunter die gestickten Tänzerinnen von Pauline Bonaparte (der Großtante des Grafen mütterlicherseits und Ehefrau von Camillo Borghese, dem Mann, der die gleichnamige Sammlung antiker Statuen an seinen Schwager, den Gründer des Ersten Kaiserreichs, verkaufte), der kuriose Gipsabguss einer der Brüste von Pauline, der möglicherweise zu einer Studie für die berühmte Statue der Pauline Borghese als Venus Victrix von Antonio Canova gehört, und natürlich eine Reihe von Wandbildern der verschiedenen gesegneten Damen der Familie (Tante Matilda, Großmutter Zenaide usw. Das Herzstück der Ausstellung bilden 14 kürzlich restaurierte Kakemonos. Raffinierte vertikale Schriftrollen aus Papier oder Stoff (meist Seide), die an den Wänden oder vielmehr an bestimmten, ihnen gewidmeten Stellen im Haus (Nischen) aufgehängt wurden. Genau dieses Konzept wird in der Ausstellung aufgegriffen, denn in kakemono sind sie an einem bestimmten, ihnen gewidmeten Ort konzentriert. Offensichtlich sind sie alle zusammen ausgestellt, quasi aneinander geklebt, was den Effekt einer bezaubernden, phantasievollen Überlagerung von Formen und Farben erzeugt, die allesamt römisch sind und nichts mit japanischer Nüchternheit zu tun haben.
Kakemono mit Vogel auf Zweig mit Früchten, Museo Napoleonico, Rom.
Das dargestellte Thema kann ein Bild oder eine Kalligraphie sein. Die Bilder der Sammlung Primoli zeigen Blumen und Vögel, ein traditionelles Thema der japanischen Kunst. Im Land der aufgehenden Sonne werden diese vertikalen Seidenbilder nicht ständig ausgestellt, sondern nur zu besonderen Anlässen oder im Wechsel der Jahreszeiten. Während der Teezeremonie spielen sie immer noch eine besondere Rolle, d.h. sie bestimmen das Gesprächsthema während des Rituals (z.B. Frühling). Bei den Exemplaren der Sammlung Primoli handelt es sich höchstwahrscheinlich nicht um Originale, sondern um Kopien, die im Stil des Japonisme in einem Pariser Atelier Ende des 19. Jahrhunderts in einem Pariser Atelier nach dem Geschmack des Japonisme angefertigt wurden. Es handelt sich um begehrte Werke, auf denen ineinander verschlungene Kirschzweige, rosa und blaue Blumen, die ihre Blütenblätter im Wind verlieren, Eulen, schwimmende Enten und fliegende Vögel dargestellt sind. Graf Primoli benutzte es als Gästebuch, was recht extravagant war. An den Rändern und auf den leeren Stellen finden sich Kritzeleien, Autogramme und allerlei Scherze von bedeutenden Persönlichkeiten der damaligen Zeit. Französische Intellektuelle, die im Pariser Salon von Mathilde Bonaparte verkehrten, wie Èmile Zola, Paul Claudel, Paul Valery, Pierre Loti, Anatole France, Guy de Maupassant, sowie Vertreter der verschiedenen europäischen Königshäuser, wie Kaiserin Eugénie, Ehefrau von Napoleon III. Unter den Italienern finden sich Eleonora Duse, Gabriele D'Annunzio, Giovanni Verga, Giosuè Carducci, Matilde Serao, Giuseppe Garibaldi und sogar Benito Mussolini. Die Kritzeleien, die Gègè von seinen Gästen um die gemalten Bilder bat, sind so harmonisch wie die Bilder selbst. Manchmal sind sie sogar lustig. Im Kakemono eines der Duse gewidmeten Abends ist es Primoli selbst, der das Kritzelritual einleitet, indem er den Auftritt der berühmten Schauspielerin kommentiert. Zwischen den gemalten Stängeln einer scheinbaren Teichpflanze ist zu lesen: „Julia macht Romei“. Weiter oben steht ein Kommentar des Dramatikers Marco Praga, der aus dem Schnabel eines fliegenden Vogels zu stammen scheint: „Verliebt in Duse“. Gabrielle D'Annunzio selbst antwortet etwas weiter unten: „Ich protestiere gegen die Heimtücke“. Mussolinis Unterschrift dagegen sieht aus wie die eines Fünftklässlers. Sie wurde nach dem Tod des Grafen auf Wunsch des damaligen Museumsdirektors Diego Angeli angebracht.
Zusammenfassend kann man sagen, dass der Effekt in beiden Fällen aufregend war. Ungewöhnlich. Originell. Die große Treppe eines Palastes hinaufzusteigen und sich in einem ganz und gar römischen Orient wiederzufinden, war urkomisch, ebenso wie sich in den Kritzeleien, den Blumen und den aristokratischen Abenden der Belle Epoque zu verlieren.
Wer sich näher mit dem Thema beschäftigen möchte, kann dies in Mailand tun, wo noch bis zum 30. September die Ukiyo-e-Ausstellung The Spirit of Japan: An Immersive Art Experience (Scalo Farini) zu sehen ist, oder in Florenz, wo noch bis zum 3. November die Ausstellung Yōkai. Mostri, Spiriti e altre inquietudini nelle Stampe Giapponesi (Museo degli Innocenti). Wie jemand (Anonym) sagte: "Japan zu entdecken ist wie eine Perlenschnur über den Ozean zu ziehen.
Originalversion auf der italienischen Online-Zeitschrift Minima&Moralia:
Il Giappone nei palazzi romani tra scarabocchi e collezionismo | minima&moralia
