Künstlerinnen kartografieren: die Entdeckung von Roma Pittrice.

Emma Gaggiotti, The Family Gaggiotti-Richards (detail), Museo di Roma.

Unser Startpunkt ist ein Pfarrer, der in einem unbestimmten Jahr des 17. Jahrhunderts durch die Straßen seines Viertels in Rom geht. Er betritt die Häuser, erteilt den Ostersegen, setzt sich an einen Tisch und notiert in einem großen Notizbuch die Namen der Bewohner, die empfangenen Sakramente, ihre Berufe, ihren Besitz und ihre Adressen. Der Pfarrer erstellt das sogenannte status animarum (Buch des Zustandes der Seelen), eine Art altes Grundbuch, das zur Berechnung des Zehnten diente, eine jährliche Steuer, die jede Familie an die Pfarrei zu entrichten hatte.

So erfahren wir, dass in der Via del Corso, Via Paolina (heute Via del Babuino), und in der Via Margutta - also im antiken Künstlerviertel - zahlreiche Malerinnen, Miniaturistinnen und Kupferstecherinnen lebten, über die wir kaum etwas wissen. Davon erzählt ein Stadtplan der Ewigen Stadt aus der Zeit vor 1870, der die Ausstellung Roma Pittrice eröffnet, die bis zum 4. Mai 2025 im Palazzo Braschi zu sehen ist. Die Austellung wurde von Ilaria Miarelli Mariani (Direzione Musei Civici Sovrintendenza Capitolina) und Raffaella Morselli (Sapienza, Universität Rom) in Zusammenarbeit mit Ilaria Arcangeli (Doktorandin an der Universität Chieti Gabriele D'Annunzio) kuratiert.

Der Titel der Exposition ist Programm: Es geht um die Rolle, die die Stadt bei der Ausbildung und beruflichen Entwicklung von Frauen in der römischen Kunstszene zwischen dem 16. und 19. Es ist faszinierend, was Plinius in seiner Naturalis Historia berichtet, nämlich dass es eine Frau namens Corinthia war, die mit der Malerei begann, indem sie das Profil ihres Geliebten auf die Wand zeichnete, während er davonlief.

Man hat das Gefühl, in eine figurative Spoon-River-Anthologie einzutauchen - so wie es für mich der Fall war - in der die einhundertdreißig ausgestellten Werke von den vergessenen Existenzen von sechsundfünfzig Künstlerinnen erzählen, so wie E.L. Masters in seinen poetischen Epitaphien die Bewohner eines imaginären Dorfes in Missouri (eben Spoon River) beschrieben hatte. Es sind dieselben Figuren, alles Männer, die Fabrizio de André in dem berühmten Album Non al denaro, non all'amore né al cielo, besungen hat. Vielleicht erinnere ich mich deshalb an den Moment, in dem der genuesische Sänger in dem Lied La collina (Der Hügel) den Friedhof der Stadt beschreibt und von den Frauen spricht: „Wo sind Ella und Kate, beide versehentlich gestorben, die eine bei einer Abtreibung, die andere aus Liebe“ oder „Maggie, getötet in einem Bordell durch die Liebkosungen eines Tieres, und Edith, verzehrt von einer seltsamen Krankheit“ und wiederum „Lizzie, die dem Leben weit hinterherlief, und die von England zurückgebracht wurde in diese Handbreit Erde [...]“.

Die Ausstellung erzählt ihrerseits von einem Mikrokosmos geheimnisvoller Persönlichkeiten, die, um mit Ilaria Arcangeli zu sprechen, gewissermaßen am Rande lebten, außerhalb von Klöstern und Ehen, und denen es gelang, ihr künstlerisches Talent zu einem echten Beruf zu machen, der in vielen Fällen zu einer glänzenden Karriere führte, während andere ihr Leben im Kloster oder in der Familienwerkstatt verbrachten, an der Seite ihrer Väter, Brüder und Ehemänner, die als einzige befugt waren, Verträge zu unterzeichnen und Güter zu besitzen. Existenzen, die aus der Vergessenheit der Jahrhunderte wieder auftauchen, dank einer eigenhändigen Unterschrift, die bei der Restaurierung eines Gemäldes zum Vorschein kommt - die Lösung eines Rätsels, das lange Zeit im Dunkeln lag.

Das gilt für Giustiniana Guidotti, von der wir nichts wissen, die aber in der Ausstellung mit einer Allegorie der Malerei und der Musik vertreten ist, ihrem einzigen bekannten Werk, das jedoch ein ebenso großes Talent zeigt wie das von Artemisia Gentileschi, der berühmtesten italienischen Malerin der Kunstgeschichte. Oder Anna Stanchi, eine Blumenmalerin, die lange Zeit mit ihrem Bruder Giovanni verwechselt wurde. Wir können ihre Gemälde neben denen von Laura Bernasconi bewundern, der wichtigsten Schülerin von Mario de' Fiori und Autorin atemberaubender Blumenkompositionen, die oft ihrem Meister zugeschrieben werden. Oder Maddalena Corvini, eine Miniaturistin, die Papst Urban VIII. zu ihren Kunden zählte, deren Werkverzeichnis aber noch nicht rekonstruiert ist. Lange Zeit waren Girolama und Elisabetta Parasole unauffindbar, weil Giovanni Baglione, ein Biograph und Kunstkritiker des 17. Jahrhunderts, die beiden Schwägerinnen, die Schnitzerin und die „Stecherin“, mit einer einzigen, imaginären Isabella Parasole verwechselte. Von Girolama ist ein interessanter Holzschnitt mit der Marter des Rades zu sehen, der auf einer Zeichnung von Giovanni Guerra basiert und seine Initialen trägt. Maria Luigia Raggi schließlich, die erste Landschaftsmalerin der italienischen Kunst, die seit ihrem neunten Lebensjahr in einem Kloster leben musste, wurde lange Zeit mit einem nicht existierenden Meister der Capricci di Prato verwechselt.

Emma Gaggiotti, die römische Malerin und Patriotin des 19. Jahrhunderts, die am englischen Hof von Königin Victoria und am deutschen Hof von Wilhelm I. von Preußen sehr verehrt wurde, aber in ihrem eigenen Land so gut wie unbekannt war, gibt Roma Pittrice auf dem Plakat und auf dem Umschlag des Katalogs durch das perfekte Oval ihres Selbstporträts ein Gesicht. In The Family Gaggiotti Richards, einer Dreivierteldrehung vor einer Staffelei und mit einer Palette in der Hand, zeigt sich die Künstlerin zusammen mit ihrer Familie - eine Offenbarung und ein Symbol der Ausstellung selbst. Sie scheint eine Haltung einzunehmen, sie ist es, die mit ihrem Handwerkszeug für den Familienhaushalt sorgt. Ein Schicksal, das in gewisser Weise an Maria Felice Tibaldi erinnert, die Frau des Malers Pierre Subleyras. Tibaldi ernährte ihre Familie bereits im Alter von vierzehn Jahren mit den Einkünften aus ihrem Beruf als Buchmalerin. Sie war die erste lebende Künstlerin, die mit einem ihrer Werke in die Pinakothek der Kapitolinischen Museen aufgenommen wurde: ein Abendmahl im Haus des Pharisäers, für das sie tausend scudi erhielt. Ein Vermögen.

Trotz des Erfolges und der - wenn auch nur teilweisen - Anerkennung dieser Künstler durch ihre Zeitgenossen wurden die meisten der in der Ausstellung gezeigten Werke nie öffentlich gezeigt. Bis heute befinden sich diese Werke häufig in den Depots renommierter nationaler und internationaler Museen oder in Privatsammlungen, die sie für Auktionen anbieten. Aus all diesen Gründen waren mehrere Gemälde restaurierungsbedürftig. Jahrhundert, in speziellen Glasvitrinen präsentiert, die auch die Rückseite der Gemälde sichtbar machen - eine Hommage an die italienische Architektin Lina Bo Bardi, die dieses System in den 1950er Jahren für das Kunstmuseum von São Paulo in Brasilien erfunden hat.

Der Rundgang beginnt bei den Grundlagen, bei Lavinia Fontana, der Autorin des ersten öffentlichen Werkes, das jemals von einer Frau gemalt wurde: „Vision des Heiligen Hyazinth“ in der Kirche Santa Sabina auf dem Aventin in Rom. Die berühmteste Malerin des 16. Jahrhunderts, die in Bologna geborene Wahlrömerin, markiert einen wichtigen Meilenstein in der Emanzipation der Frau in der Kunst, denn sie ist auch die Autorin der Inventio, d.h. der Ikonographie der Heiligen. Damit widerlegt sie für immer den Mythos, dass Frauen nicht in der Lage seien, originelle Werke zu schaffen, sondern sich darauf beschränken könnten, mehr oder weniger gewissenhaft die Ideen anderer zu imitieren.

Lavinia Fontana, Selbstporträt, Accademia di San Luca.

Fontana war die offizielle Porträtmalerin der Familie Papst Pauls V., und so können wir im Obergeschoss der Galleria Borghese in Rom endlich unter den Großen seine verführerische Minerva beim Ankleiden bewundern, die erst in den letzten Jahren aus der Vergessenheit des Depots gerettet wurde. In dem ihr gewidmeten Saal kann man eine Reihe ihrer Porträts bewundern, die Unbekannte darstellen, aber vor allem ihr berühmtes Selbstbildnis am Spinett auf Kupfer, das in seiner Ölfassung in allen wichtigen Publikationen über weibliche Kunst zu finden ist. Fontana erscheint hier als junge Frau, die sich ihrer selbst und ihres Talents bewusst ist und dem Betrachter beim Spielen direkt in die Augen blickt. Im Hintergrund sind die Werkzeuge der Malerei zu sehen, Symbol für Identität und Beruf zugleich. Das in Öl auf Lapislazuli gemalte Porträt einer jungen Aristokratin ist von seltener Kostbarkeit und sollte, so vermutet man, einen Herren der damaligen Zeit davon überzeugen, das Mädchen zur Frau zu nehmen.

Lavinia Fontana, Minerva beim Angleiden, Galleria Borghese.

Artemisia Gentileschi, Tochter des Caravaggisten Orazio, war dagegen in Rom kein Glück beschieden. Der Wendepunkt in ihrem Leben war die Vergewaltigung im Alter von 19 Jahren durch den Perspektivmaler Agostino Tassi, einen Kollegen und Freund ihres Vaters. Während des Prozesses wurde Gentileschi gefoltert, um sicherzustellen, dass sie die Wahrheit sagte. Trotz ihrer glänzenden Karriere, die sie nach Florenz, Neapel und sogar nach England führte, blieb die Malerin zeitlebens vom Thema Judith und Holofernes besessen, der schrecklichen Rache einer Frau an einem Mann, die Artemisia, ausgehend vom Caravaggismus ihres Vaters, stets in dramatischen und blutigen Tönen malte. In der Ausstellung ist eine ihrer Neuinterpretationen eines Gemäldes von Horaz zu sehen, das Judith und ihre Magd zeigt, die sich nach dem Mord verstohlen umsehen, während sie den riesigen Kopf des Toten in ihrem Schoß halten. An Caravaggio erinnert auch Aurora, in dem sich Gentileschi mit dem für Frauen verbotenen Aktstudium auseinandersetzt. Sie umgingen das Thema, indem sie antike Statuen betrachteten, vor allem aber, indem sie ihren eigenen Körper studierten. Ein Beispiel dafür ist Kleopatra, für die Artemisia sich selbst als Modell benutzt zu haben scheint.

Ein weiteres unverzichtbares Meisterwerk im Blumensaal ist ein mit Pergament gebundenes Album mit Miniaturen von Blumen, Pflanzen und Insekten, die an mittelalterliche Kräuterbücher erinnern. Die Motive sind mit feinsten Linien und Glasuren aus Azurit, Malachit, Lapislazuli, Zinnober, Bleigelb und Bleiweiß dargestellt, alles kostbare und sehr teure Farben. Das Werk stammt von Giovanna Garzoni, einer Naturforscherin und Malerin, die der Accademia dei Lincei, der ersten italienischen Akademie der Wissenschaften, nahestand. Aufgrund seiner Zerbrechlichkeit wird das Album fast nie der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Die Möglichkeit, es hier zu bewundern, ist eine außergewöhnliche Gelegenheit, die Vorliebe für seltene Pflanzen und exotische Insekten wiederzuentdecken, die dank der Reisen von Missionaren und unerschrockenen Reisenden aus der Neuen Welt und den entlegensten Winkeln der Erde nach Europa kamen. Frauen galten als besonders geeignet für wissenschaftliche Illustrationen, die im 17. Jahrhundert an Popularität gewannen, da man ihnen die für diese Art der Illustration wesentlichen Eigenschaften der „femminil patientia“ (weibliche Geduld) zuschrieb, d.h. Fleiß, Akribie und mimetische Genauigkeit.

Artemisia Gentileschi, Aurora, Privatsammlung.

Garzoni, eine Freundin von Artemisia Gentileschi, Kalligraphin, Miniaturistin und Naturforscherin, die in Venedig, Turin, Florenz, Neapel und Rom tätig war, ist in der Kirche SS. Luca e Martina begraben, neben der sie wohnte. Im Inneren des Gebäudes, an der gegenüberliegenden Fassade, befindet sich sein Grabdenkmal - eine Seltenheit für eine Künstlerin -, das von der Accademia di San Luca finanziert wurde, vielleicht weil die Miniaturistin der Institution ihren gesamten Besitz vermacht hatte, darunter zwei prächtige, in Pergament gebundene Alben, von denen eines hier ausgestellt ist. Der Saal beherbergt auch ein Selbstporträt aus dem Generalsekretariat der Republik im Quirinalspalast, auf dem sich Garzoni nicht als talentierte junge Frau, sondern in Gestalt des Kunstgottes Apollo darstellt.

Die größte Anerkennung erfuhr die Schweizerin Angelika Kauffmann, die von ihren Zeitgenossen als „Raffael unserer Zeit“ bezeichnet wurde. Sie war die erste Malerin, die von ihren männlichen Kollegen als ebenbürtig anerkannt wurde und sich in der Historienmalerei versuchte, die Frauen ebenfalls verboten war. Sie war auch die erste Frau, die mit einer Marmorbüste neben berühmten Künstlern in die Liste der Virtuosen des Pantheons aufgenommen wurde. Im 18. Jahrhundert war ihr Atelier eine obligatorische Station für Reisende auf der Grand Tour. Kauffmann ist hier mit mehreren Porträts vertreten, darunter Die Hoffnung, ein wahrscheinliches Selbstbildnis, mit dem sie in die Accademia di San Luca aufgenommen wurde.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Kunstkritik (vor allem die italienische) die Künstlerinnen der Vergangenheit jahrzehntelang, wenn nicht sogar jahrhundertelang, auf eine Nebenerscheinung reduziert hat, die bestenfalls mit intellektueller Neugier verbunden war. Die einzigen Ausnahmen, die wir finden konnten, waren Artemisia Gentileschi und Angelika Kauffmann. Seit einigen Jahren versuchen Institutionen, das schuldhafte und anhaltende Schweigen zu überwinden, indem sie in ganz Italien Veranstaltungen zu diesem Thema organisieren. In diesem Zusammenhang ist auch die römische Ausstellung über Plautilla Bricci, „Malerin und Architektin“, zu sehen, die 2022 in der Galleria Corsini stattgefunden hat.

Für mich war es eine wertvolle Erfahrung, die Ausstellung in Begleitung von Ilaria Arcangeli zu besuchen, einer brillanten Mittdreißigerin, die unter anderem die Sektionen von Roma Pittrice zur weiblichen Kunst des 16. und 17. Jahrhunderts kuratiert hat und in der Lage ist, aus dem Gedächtnis genaue Seiten aus den Archiven der Accademia di San Luca zu zitieren. Als ich Arcangeli zuhörte, hatte ich für einen Moment den Eindruck, dass sich seit meinem Universitätsabschluss etwas verändert hatte und dass die Institutionen begonnen hatten, sich für junge und gebildete Frauen zu öffnen.

“Es ist großartig, dass alle diese Tugenden und Übungen, für die die Frauen zu irgendeinem Zeitpunkt ihre Studien unterbrechen wollten, sich immer als äußerst vortrefflich und mehr als berühmt erwiesen haben, wie man leicht durch unzählige Beispiele denen beweisen kann, die es vielleicht nicht glauben. [...] Sie haben sich auch nicht geschämt, ihre zarten, blütenweißen Hände in mechanische Dinge zu stecken und zwischen der Rauheit des Marmors und der Härte des Eisens zu hantieren, fast um uns den Stolz auf ihre Überlegenheit zu nehmen.” Mit diesen Worten beschrieb Giorgio Vasari in seinen Biographien Künstlerinnen und deutete damit Dinge an, von denen wir nichts wissen und die wir unbedingt entdecken möchten.

Originalversion auf der italienischen Online-Zeitschrift Weltlit:

Mappare le artiste: alla scoperta di Roma Pittrice - WeltLit

Englische Version:

The mapping of women artists: the discovery of Roma Pittrice.